Jazz Vocal

En los orígenes del canto jazzistico está, como casi en todo, el blues. Es el blues folklórico y rural, cantado en los campos de algodón y en las plantaciones rurales por los esclavos procedentes del continente africano, en las prisiones y en los caminos, el que se usa para expresar el dolor, el abandono, la adversidad, la desesperación o cualquier otro sentimiento personal y social. A la esclavitud, sucedió la segregación racial, y con ella, la intensa corriente migratoria llevó a la población negra a los ghettos de las grandes ciudades a finales del siglo XIX. El blues viajó con ellos y se hizo urbano.

 

Ese canto se difundió no solo entre tabernas y lupanares, sino que el mundo del vodevil, el cabaret y el teatro se hicieron eco de ese canto llevando el blues a las comedias musicales negras de Harlem y Broadway. Cuando las cantantes negras de la época: Mamie Smith o Bessie Smith se desprendieron del manto opaco del vodevil, pusieron los pilares que sostienen todo el canto jazzistico que hoy conocemos.

 

 

Las voces

 

 

 

Mamie Smith

(1883-1946)

 

Mamie pasó a la historia de la música por ser la primera cantante de blues en grabar un disco. Los pormenores de aquella historia forma parte de la leyenda. El 14 de febrero de 1920, Fred Hager, productor de discos del sello Okeh, alquiló un estudio neoyorquino para grabar a una cantante de variedades blanca. Sin embargo, la cantante en cuestión no apareció. Entonces, el director de orquesta Perry Bradford, que estaba por allí con una de sus cantantes, una mujer negra llamada Mamie Smith, especialista en la interpretación de temas de vaudeville mezclados con algunos blues para conmover al público, decidió proponer a Hager que lo hiciera con esta última. Ante esta situación crítica, y como último recurso, Hager aceptó la sugerencia de Bradford y, para no perder el día de alquiler del estudio, grabó a Mamie Smith: "Crazy blues", uno de los diez temas de aquella histórica sesión, obtiene un extraordinario éxito al venderse en menos de un mes mas de 50.000 copias, un numero jamás alcanzado en aquella época.

 

En 1913 llegó por primera vez a New York donde frecuentó con asiduidad todos los locales musicales de Harlem.

 

La Gran Depresión de 1929, la sumió en la ruina y a pesar de algunos tímidos e infructuosos intentos por recuperar su carrera, murió en 1946 en el "Harlem Hospital" de New York olvidada por todos.

 

 

Bessie Smith

 

(Chattanooga, Tennessee, 15 de abril de 1894 - Clarksdale, Misisipi, 26 de septiembre de 1937

 

De todas las voces del blues surgidas tras la aparición en 1920 de la grabación de Mamie Smith "Crazy Blues" para la Paramount, es Bessie Smith, la que logra destacar por encima de sus coetáneas. La llamada "Emperatriz del Blues" nació el 15 de abril de 1894, difícil asegurar el día por la ausencia entre la población negra de entonces de las partidas de nacimiento. Por aquel entonces, a la esclavitud había sucedido la segregación racial y la implantación de los grandes guetos en las ciudades americanas desde finales del siglo XIX, hasta principios del siglo XX. El blues rural y campesino se transformó en blues urbano y si en el primero abundaban los cantantes masculinos, en el segundo aparecen toda una serie de voces femeninas en espectáculos teatrales y de "vaudeville" con el blues asimilándose al balbuciente jazz y codeándose con el repertorio teatral blanco de la época.

 

Bessie Smith, se convirtió en profesional en 1912 cuando su hermano Clarence, le consiguió un contrato para uno de esos espectáculos. En 1913, ya actuaba por si sola en el "81 Theatre de Atlanta" y en los años posteriores por el duro pero famoso circuito TOBA. Con cierto prestigio ya ganado, en 1921 actuaba en el "Standars Theatre" de Filadelfia y al año siguiente con la orquesta de Charlie Johnson, en el "Paradise Gardens" de Atlanta, la sala de baile más elegante de la ciudad. 

  

1923 fue el año que marcó su carrera y la lanzó a la fama. Clarence Williams, un extraordinario pianista, presentó a Bessie Smith, al director artístico de la casa Columbia quien tras oírla cantar le ofreció un contrato discográfico y le orientó decisivamente en su carrera.

Esa relación duró diez años y Bessie Smith, siempre tuvo a los mejores acompañantes para sus discos.

Un jovencisimo, Louis Armstrong, se cruza varias veces en el camino de la cantante y sus registros constituyen toda una obra maestra.

 

Vinieron luego dos años de oscuridad (1929-1931), provocados por la Gran Depresión del 29 y su cotización bajó espectacularmente; sus actuaciones escasearon llegando a cantar en lugares infectos donde la clientela sabedora de su afición por el sexo, le pedía continuamente canciones pornográficas. Pasado los efectos de la Depresión, cuando los contratos y actuaciones volvían otra vez, le sobrevino aquel fatal accidente de coche en una estrecha carretera del estado de Mississippi cuando estaba de gira con la compañía de la obra musical "Broadway Rastrus" el 26 de septiembre de 1937. Su trágico fallecimiento desató, una vez más la polémica sobre las victimas del racismo en los Estados Unidos.

 

El hospital más cercano donde fue llevada de urgencia era un hospital para blancos donde le fue negada la asistencia. Sus acompañantes no tuvieron otra opción que prolongar su agonía hasta llegar al lejano Hospital afro-americano de Clarksdale, adonde llegó desangrada y sin posibilidades de supervivencia. 

 

 

 

Billie Holiday

(Filadelfia, 7 de abril de 1915-Nueva York, 17 de julio de 1959)

 

Eleanora Fagan, que así se llamaba en realidad, nació en el gueto negro de Baltimore y su padre, Clarence Holiday tocaba la guitarra y el banjo en la banda de Fletcher Henderson. Se interesó por la música a los diez años influenciada por Bessie Smith y Louis Armstrong, cuando los escuchaba en el gramófono de su casa a ambos. En 1930, recorriendo Harlem en busca de trabajo, entra en un pequeño club que se llamaba: "Pod's and Jerry's" situado en la Calle 133, ofreciéndose como bailarina. El resultado de la prueba es un desastre y a instancias del pianista se atreve a cantar. Cuando canta "Trav'lin All Alone", las conversaciones en el bar se paran y ahí empieza todo.

 

En 1933, John Hammond, productor musical va a oírla cantar en el club "Log Cabin" y maravillado, habla con Benny Goodman quien el 27 de noviembre de aquel año le abre para toda la vida las puertas de un estudio de grabación. Con Goodman, permanece poco tiempo y empieza a cantar en clubes mas importantes. Actúa en el famoso "Apollo Theatre" y es contratada por Joe Glaser, el manager de Louis Armstrong.

 

En 1935 aparece cantando con la orquesta de Duke Ellington en la película "Simphony in Black" e inicia una larga y fructífera relación musical con el pianista Teddy Wilson en el sello Columbia. Con Wilson graba cerca de un centenar de canciones y junto a ella tocan los grandes solistas de la época: Ben Webster, Johnny Hodges, Bunny Berigan, Roy Eldridge y sobre todo, Lester Young, con quien alcanzaría una simbiosis creativa del que se encuentran pocos ejemplos en la historia del jazz. 

 

También cantó en la orquesta de Count Basie en 1937 y en 1938 con Artie Shaw, pero el mundo de las grandes orquestas no era el suyo y sus experiencias como vocalista de bigband entre 1936 y 1938 no le dejaron grandes recuerdos. Holiday, se transformó en una estrella de los escenarios de los clubes de New York a principios de los 40, y consigue un contrato de larga duración en el famoso club del Greenwich Village, el "Café Society", regentado por el judío, Barney Josephson, antirracista y de ideas claramente progresistas. Billie tenía solo veinticuatro años y ya era una cantante objeto de culto entre sus seguidores. En 1943, ganó por primera vez la encuesta de críticos organizada por la revista "Esquire" por delante de Mildred Bailey y de Ella Fitzgerald y al año siguiente grababa para el pequeño, pero selecto sello Commodore, una serie de temas magníficos entre los que destaca su emblemático "Strange Fruit" un alegato antirracista demoledor. En 1945, se casó con el trompetista, Joe Guy, también adicto a la heroína y en agosto de ese año, grabó la versión de referencia del tema "Don't Explain" uno de sus canciones mas hermosas. 

 

Sin embargo, la historia de su vida va cuesta abajo a partir de 1950. Cantó en Chicago con Miles Davis y se reencontró con Lester Young en Philadelphia. En 1953, viajó por primera vez a Europa. A su regreso, ingresó voluntariamente en una clínica para intentar rehacer su vida y tuvo una efímera recuperación que aprovechó para reaparecer en un capitulo televiso dedicada a las "Siete Artes" de la CBS titulada "The Sound of Jazz". El memorable y estremecedor "Fine and Mellow" que cantó acompañada de Lester Young puede considerarse un hito en la historia del jazz. El álbum de 1958, "Lady in Satin", encontró a la artista de 43 años de edad haciendo grandes esfuerzos para cantar como en los mejores tiempos, y al año siguiente falleció. Cuatro meses antes, lo había hecho su admirado Lester Young. Su muerte pareció una cruel burla del destino; moribunda e inconsciente en la cama del hospital, la policía intentó esposarla acusada de consumir heroína mientras agonizaba.

 

 

Ella Fitzgerald

(1917-1996)

 

Nació el 25 de abril de 1917 en Newport New (Virginia) y musicalmente comenzó su andadura cuando el 21 de noviembre de 1934, animada por su madre, se presenta a concursar como bailarina en el célebre concurso "Amateur Night Show" que semanalmente organizaba el Theatre Apollo de Harlem. cuando le toca salir a escena, paralizada por el miedo, opta por ponerse a cantar. Todos los presentes quedaron entusiasmados por esa joven de 16 años que canta con naturalidad, frescura, y además con un sentido del ritmo envidiable. Su actuación es una autentico triunfo, se lleva el primer premio y tiene la suerte de que entre los presentes aquella noche en el Apollo, estaba el arreglista y saxofonista alto, Benny Carter que impresionado por aquella niña, Carter intenta convencer primero a Benny Goodman, y luego a Fletcher Henderson, para que la contraten en su orquesta. Por fin, es el "jorobado", Chick Web, quien se decide a contratarla. A partir de ahí, Ella Fitzgerald, se convirtió en la cantante habitual de la gran orquesta de Chick Web. A la muerte de aquél, Ella Fitzgerald decidió quedarse en la orquesta y a partir de entonces, aquella bigband, se denominó, "La gran orquesta de Ella Fitzgerald". En 1942, cansada del trabajo que suponía dirigir la orquesta y cantar diariamente, disuelve la formación.

 

Su camino se cruza con Louis Armstrong, con quien grabará unos discos memorables, y de donde aprende el difícil arte del "scat", dejando muestras imperecederas de ese arte. A partir de 1949, entra en contacto con Norman Granz, un empresario amante del jazz y que organiza por todo el mundo las famosa giras conocidas como el "J.A.T.P". Con la "Jazz At The Philharmonic", actúa con los mas grandes instrumentistas del jazz en todo el mundo y logra que toda la critica le reconozca con el titulo que ya siempre le acompañó: "First Lady Of Song" (Primera Dama de la canción). Firma en 1956, un contrato con el sello Verve que la hará todavía mas popular si cabe.

Sus encuentros con músicos de jazz, dieron lugar a discos y grabaciones memorables. Las colaboraciones de Ella Fitzgerald, con las orquestas de Duke Ellington, o Count Basie, los tres discos que grabó con Louis Armstrong, o sus álbumes con Oscar Peterson, Tommy Flanagan, o Jimmy Rowles, acompañada por su trío habitual, son autenticas obras de arte. 

 


 

 

 

Pero sin lugar a dudas, el legado musical de Ella Fitzgerald, está contenido en los discos titulados genéricamente como "Song Books". Los "Song Books" de Ella Fitzgerald, fueron grabados a lo largo de ocho fructíferos años. Los libros de música, fueron dedicados a: Cole Porter (1956); Rodgers & Hart (1956); Duke Ellington (1957); Irving Berlin (1958); los hermanos, Gershwin (1959); Harold Arlen (1961); Jerome Kern (1963) y Johnny Mercer (1964).

 

 

Todos esos momentos mágicos constituyen un monumento artístico del jazz vocal y forman parte del legado musical de una de las mas grandes cantantes de jazz, que sin duda han dado la historia. El propio, Duke Ellington (en el centro de la foto), en su majestuoso "Portrait of Ella Fitzgerald" retrato musical de la cantante, tituló uno de ellos con dos palabras que definen perfectamente el arte de esta mujer excepcional: "....Ella Fitzgerald está más allá de cualquier categoría".

Ella Fitzgerald, falleció el 15 de junio de 1996. Su muerte, a pesar de ser esperada tras una larga enfermedad, dejó al mundo del jazz paralizado y conmovido. 

 

 


Sarah Vaugham

(Newark, 27 de marzo de 1924 – Los Ángeles, 3 de abril de 1990)

 

Nacida de un carpintero guitarrista aficionado al blues, y de madre lavandera y pianista de la iglesia local. En 1943 su vida tomó contacto con el jazz cuando ganó el concurso anual del Apollo Teathre de Harlem para cantantes noveles. Ella Fitzgerald, que había ganado ese mismo concurso la década anterior, le animó y fue presentada al cantante Billy Eckstine, quién a su vez la recomendó a su jefe de orquesta, el pianista, Earl Hines.

 

Contratada con apenas diecinueve años por Earl Hines como cantante y segunda pianista de la orquesta, tuvo la inmensa fortuna de que por aquella formación pasaran los jóvenes músicos de New York que estaban cambiando el jazz con el sonido nuevo conocido como bebop: Charlie Parker y Dizzy Gillespie. 

 


Extraordinariamente apreciada en los círculos del jazz moderno, se casó con el trompetista George Treadwell y en 1947, obtuvo su primer gran éxito.
La década de los cincuenta fue su mejor época como cantante, su aparición al frente de un octeto con Miles Davis en 1950 cantando una excelente versión de "Mean to Me" la consagró definitivamente como una gran cantante de jazz. 

Murió, victima de un cáncer de pulmón en Ángeles, 3 de abril de 1990.
 
 

Dinah Washington

(Tuscaloosa, Alabama, 29 de agosto de 1924 - Detroit, Michigan, 14 de diciembre de 1963)

 

 

Fue  pianista y corista en una iglesia baptista del South Side de Chicago, donde residía con su familia.

Con la banda Lionel Hampton estuvo hasta 1946 y fue en el seno de la formación del vibrafonista, cuando decidió cambiar de nombre artístico.

En 1959 llegó su mayor éxito popular con el celebérrimo: "What a Difference a Day Makes", versionada posteriormente por Sarah Vaughan y Esther Philips.

 

A partir de los años cincuenta se ganó a pulso el apodo de "Reina del Blues" que le pusieron sus admiradores, y sus discos se colocaban uno tras otro en las lista de los mas vendidos de Norteamérica.

Su personalidad, su fuerza en los escenarios y su canto, a mitad de camino entre la fuerza de Bessie Smith y  el fraseo de Billie Holiday, enganchó de tal manera  a los aficionados a su música que las ventas de sus discos no tenían frontera de estilo. Era tan conocida dentro de los ambientes jazzisticos o bluseros como fuera de ellos.

 

Un exceso de somníferos ingeridos en estado de embriaguez acabó con su vida en Detroit, donde residía, poco antes de la Navidad de 1963.

 

 

Julie London

(26 de septiembre de 1926 - 18 de octubre de 2000)

 

La imagen de sensualidad felina y sugerente, y el estereotipo de chica de calendario ("Calendar Girl", es justamente, el titulo de un disco suyo de 1956), fue explotada sistemáticamente en las portadas de los álbumes de Julie London (1926-2000). Desde 1944 había iniciado su trayectoria cinematográfica cambiando su verdadero nombre de Julie Peck, por el que adoptó definitivamente.

 

En 1955 entraba por primera vez en unos estudios de grabación para grabar "Julie is her Name", una especie de disco presentación con el acompañamiento del maestro de la guitarra, Barney Kessell y el contrabajista, Ray Leatherwood. Uno de sus temas "Cry me a River" se convirtió rápida y fulgurantemente en un enorme éxito de ventas y le abrió las puertas del sello "Liberty" para continuar grabando de la mano de su manager, por entonces, su marido el inteligente, Bobby Troup.

 

 

 

 

Rosemary Clooney

(Maysville, Kentucky, 23 de mayo de 1928 - Beverly Hills, 29 de junio de 2002)

 

En 1950 consiguió grabar un par de dúos con Frank Sinatra y a partir de ahí le sobrevino la fama y la popularidad. Tuvo su propio show televisivo e incluso Hollywood llamó a su puerta para que participara junto a Bing Crosby y Danny Kaye en algunas comedias musicales.

 

Disfrutó durante la década de los cincuenta de una extraordinaria fama con canciones absolutamente mediocres.

No obstante lo dicho, Rosemary Clooney, se acercó tardíamente al jazz y grabó una par de magníficos álbumes para Columbia. Posteriormente otras grabaciones para Coral o RCA reafirmaron el camino jazzistico emprendido. 

 

Fue diagnosticada con cáncer de pulmón a finales de 2001. Murió seis meses más tarde, el 29 de junio de 2002, en su casa de Beverly Hills. Su sobrino, el actor George Clooney, era uno de los que portaron el féretro en su funeral.


 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Peggy Lee

(1920-2002)

 

Norman Deloris Egstrom, nombre verdadero de Peggy Lee, inició su carrera profesional en 1941, cuando el famoso clarinetista y director de orquesta, Benny Goodman, la contrató para cubrir la vacante dejada por, Helen Forrest.

 

Con la banda de Goodman adquiere una fama extraordinaria. En marzo de 1943, abandonaba la orquesta de Goodman para casarse con el guitarrista de la orquesta, el alcohólico, Dave Barbour con quien a partir de entonces compartió la vida artística y sentimental. Ni ese matrimonio, ni los tres siguientes fueron suficientes para consolidar la personalidad sentimental de la cantante. Con la orquesta de su marido, Peggy, grabó en aquellos años para Capitol varios discos y en uno de ellos, consiguió con el tema "Mañana" su primer disco de oro en 1948. El éxito de ventas de ese disco, le abrió las puertas de Hollywood donde compondría varios musicales, siendo el mas destacado de ellos, el titulado "Johnny Guitar" que ella misma cantaría en la película del mismo nombre del director, Nicholas Ray en 1954.

 

 

 

 

En 1953 graba el que sería su álbum mas jazzistico y posiblemente su obra maestra, el disco titulado "Black Coffee".

 

En 1957  obtiene su tercer disco de oro con el tema "Fever" una muestra original de su enorme habilidad para el fraseo rítmico. Desde 1957 hasta 1970, la cosecha de álbumes magníficos es abundante y variada.

Peggy Lee tuvo que ralentizar su actividad como consecuencia de una dolencia cardiaca que ya no le dejó ser la misma. Falleció en su residencia de Bel Air a consecuencia de un ataque al corazón cuando contaba 81 años de edad, el día 21 de enero de 2002.

 

 

 

Abbey Lincoln

 

Anna Marie Wooldridge (Chicago, 6 de agosto de 1930 - Nueva York, 14 de agosto de 2010)

Comenzó a cantar, dentro del género de las variedades, haciendo giras por Míchigan al final de su adolescencia. Posteriormente, en 1951 cantó en night-clubs de California y luego durante dos años en Hawái, con el nombre de «Gaby Lee». Regresó a Estados Unidos en 1954 donde trabajó en los clubs de Hollywood. Tras cambiar varias veces de nombre (Anna Marie, Gaby Lee, Gaby Woolridge...), en 1956, siguiendo los consejos de Bob Rusell, se queda con el de «Abbey Lincoln».

 

En 1962 se casa con el baterista, Max Roach. El matrimonio dura ocho años, ya que en 1970, ambos deciden ir cada uno por su lado. Con Max Roach, Abbey Lincoln graba para Riverside  tres espléndidos discos que pasaron a formar parte del mejor arte vocal de la historia del jazz.

 

 

 

 

 

Al lado de Roach, la voz de Abbey Lincoln, se torna desgarrada y se convierte en una forma de expresión afroamericana de indudable valor artístico. Su viaje a los ancestros, su descarada forma de reivindicar el final de la discriminación racial en sus canciones y su impulsiva expresión natural, la convierten en una de las cantantes negras cono mas adeptos en la comunidad negra de los Estados Unidos.

Pero si hay un disco que ha marcado la trayectoria de Abbey Lincoln, este es sin duda, el grabado en 1961 para Candid y titulado "Straight Ahead" y que en uno de los temas de Thelonius Monk, el conocidísimo, Blue Monk, a los que la cantante puso letra, le valió el reconocimiento del propio pianista.

Abbey Lincoln, falleció a los ochenta años el sábado 14 de Agosto de 2010.

 

 

 

 



 

 

Louis Armstrong

(Nueva Orleans, 4 de agosto de 1901 – Nueva York, 6 de julio de 1971)

 

Grabó innumerables discos, ofreció magníficos conciertos, sus músicos se renovaban sin que la calidad del grupo se resquebrajara, y el mundo entero escuchó a Louis Armstrong llevar su sempiterna sonrisa por los cinco continentes hasta que dos días después de celebrar su 71 cumpleaños, el corazón le dejó de funcionar. Falleció en su casa de Corona (New York) el 6 de julio de 1971.  

 

 

 

 

Frank Sinatra

(Hoboken, New Jersey, 12 de diciembre de 1915 - Los Ángeles, 14 de mayo de 1998)

 

Hacia mediados de los años treinta, influenciado por el trabajo del cantante Bing Crosby, Frank Sinatra, decide dejarlo todo y dedicarse a la música. Tras varias presentaciones en bares, participa en un programa radiofónico de nuevos talentos llamado "Major Bowes Amateur Hour", conformando la agrupación "Hoboken Tour" junto al trío de canto y baile llamado "Three Flashes". El grupo logró ganar el primer premio lo que les permitió actuar en una gira promocionada por el programa.

 

 

 

Poco a poco Frank Sinatra, fue combinando su trabajo de camarero en un restaurante de New Jersey con el de cantante de radio; hasta que hacia finales de la década es descubierto por el trompetista Harry James quien lo invita a convertirse en el líder de su banda "The Music Makers". La primera grabación exitosa fue "All or Nothing at All", efectuada en 1939, año en el que Sinatra contrae matrimonio con su primera esposa, Nancy Barbastro. Tras siete meses de trabajo junto a Harry James, dejaría la agrupación y se integra en la orquesta de swing de Tommy Dorsey.

 

Es con Tommy Dorsey donde alcanzaría musicalmente su fama. 

 


En 1942, siendo el ídolo de juventud de millones de norteamericanas, y siendo rey de las "jukebok", las famosas maquinas pinchadiscos de los bares, decide romper su contrato con Dorsey y emprender carrera como solista. Junto a arreglistas de primer orden como Nelson Riddle y Quincy Jones, entre otros, el cantante graba para el sello "Capitol", con quien firma un contrato de larga duración en 1954, algunos de sus álbumes más populares y llenos de swing:  "Come Dance With Me" (1958), premiado en 1959 con el Grammy al mejor álbum del año y con el que Sinatra gana el Grammy a la mejor interpretación vocal masculina. 

 

En 1962, funda su propio sello discográfico "Reprise", y lo estrena discograficamente con un extraordinario álbum en directo desde el Gran Teatro Llido en Paris, continuando así una trilogía de grandes conciertos en directo, que comenzaría tres años antes en Australia y terminaría en 1966 en el club de su propiedad en Las Vegas junto a la orquesta de Count Basie "Sinatra and the Sands" (Reprise,  1966). 

 


En 1965, la Academia Nacional de las Artes y Ciencias de la Grabación reconoce la carrera del cantante otorgándole un Grammy honorífico a su vida profesional. Además, también obtiene el Grammy a la mejor interpretación vocal masculina por "It was a very good year" y "September of my years" el de mejor álbum del año.

 

En 1966 gana nuevamente el Grammy a la mejor interpretación vocal masculina con "Strangers in the night", (Reprise, 1966), que también obtiene el reconocimiento a la mejor grabación del año.

 

Casi al final de su carrera, y junto a destacados intérpretes lanza en 1993 y 1966 "Frank Sinatra Duets", en el que reedita sus éxitos acompañado de otras figuras.de la canción.

 

 

 

 

 

Es conocido que Frank Sinatra, reunió en su entorno a un selecto grupo de amigos, también denominado Clan Sinatra, con los que organizaba giras y conciertos, además de las más escandalosas celebraciones, llenas de excesos, y que ponían en evidencia los gustos del artista por el buen vivir y la juerga. Dean Martin y Sammy Davis Jr. eran algunos de los artistas que pertenecían a la "pandilla". Los "Rat Pack".

En 1953 protagonizó "De aquí a la Eternidad", de Fred Zinneman, el filme que levantó su carrera lanzándole al estrellato y por el que obtuvo el Oscar al mejor actor secundario. 

 


Frank Sinatra, fue un personaje controvertido hasta el final de sus días. Su prodigiosa voz le lanzó a la fama, pero no es menos cierto que también contribuyeron  a ella, sus escándalos y polémicas sentimentales y políticas. El FBI nunca pudo demostrar su vinculación con la Mafia y la Cosa Nostra, pero sus vínculos, sus amistades y su relación con la misma era voz populi en todo el mundo. Todo ello le proporcionó la publicidad y el oscurantismo que todo mito necesita.

 

Francis Albert Sinatra murió el 14 de mayo de 1998. 

 

 

 

 

 

 

Nat King Cole

(Montgomery, Alabama, 17 de marzo de 1919 - Santa Mónica, California, 15 de febrero de 1965)

 

Nathaniel Adams Coles. Nacido en Montgomery (Alabama), aprendió música con la ayuda de su padre, un pastor protestante y fue destinado en1921 auna parroquia de Chicago. Allí su madre dirigía el coro de la iglesia y Cole crecerá y se educará allí empezando desde niño a cantar y tocar el órgano en los servicios religiosos. En Chicago en los años treinta era fácil acercarse al jazz y de todos los pianistas que escuchaba, es Earl Hines quien se convierte en su admirado músico. La otra gran influencia musical de Nat King Cole, le viene de Teddy Wilson, que en aquellos momentos tocaba con el clarinetista, Benny Goodman.

 

Después de tocar en varios grupos locales, conoce al guitarrista, Oscar Moore y al contrabajista, Wesley Prince. Ambos les convence para formar un trío bajo una formula inédita hasta entonces en el jazz, piano/guitarra/contrabajo. Bajo ese concepto musical nuevo, son contratados por el club "Swannee In" y en cuestión de meses es reclamado por la gran mayoría de clubes y locales importantes. Decide bautizar a su grupo definitivamente con el nombre que es conocido jazzisticamente en todo el  mundo y por el que ha pasado a la historia del jazz: "The Nat King Cole trío".

 

En 1940 acompañaran a Lionel Hampton, en dos de sus sesiones para RCA. Tras un efímero paso por la compañía DECCA, donde en su primera sesión grabarán el imperecedero y exquisito, "Sweet Lorraine" firma contrato con el sello Capitol donde permanecería hasta su muerte y a partir de ahí graba con los mas grandes músicos de jazz de la época. En 1946, la revista especializada en jazz: "Metronome" lo elige pianista del año.

 

 

 

 

La última parte de su vida -desgraciadamente la mas conocida entre el publico- es un sesgo radical hacia la comercialidad y el espectáculo y abandona el piano y el jazz por formulas económicamente mas ventajosas. Es el periodo de sus canciones en español -Adelita es su paradigmática canción - y la ruptura con el jazz. Nat King Cole fallecerá de un cáncer de garganta el 15 de febrero de 1965 en un hospital de Santa Mónica, pero sus últimos años no empañan en absoluto su aportación histórica y estilística al piano de jazz. 

 

 

 

 

 

 

 

 

Tony Bennett

(Nueva York, 3 de agosto de 1926)

 

Anthony Dominick Benedeto, nació en la periferia de New York en 1926 y comenzó tomando lecciones de música en la calle 52 mientras trabajaba en clubes y programas de radio y televisión. En 1949 tuvo la fortuna de actuar en el "Greenwich Village" junto a Pearl Bailey y fue contratado por Bob Hope por unos días. Recomendado por este, envío una grabación privada al director artístico del sello Columbia que lo contrató nada mas oírlo. Tony Bennett comenzó su fulgurante carrera de baladista influenciado por artistas de la talla de Billy Eckstine o Mel Tormé. Sus primeros discos fueron premonitorios de la calidad de su arte vocal y rápidamente surgió la inevitable comparación con Frank Sinatra. Este último declaró un día que Tony Bennett era el mejor cantante del mundo. Fueron varias las colaboraciones con la orquesta de Count Basie y también son espléndidos los discos arreglados por Ralph Sharon o, sobre todo, Ralph Burns.

 

 

Si Frank Sinatra tuvo en Riddle a su arreglista de referencia en el sello Capitol, Tony Bennett pudo haber encontrado el suyo en Ralph Burns. Ralph era un conocedor de la tradición de las bigbands, pero Bennett grababa para Columbia a las ordenes de Mitch Miller, enemigo del jazz. La cima del canto jazzistico para Tony Bennett llegó en la década de los setenta cuando grabó un discos imprescindibles en su carrera para el sello Fantasy con el pianista, Bill Evans. El resultado fue una obra maestra de dos maestros de la balada en un mano a mano, intenso y sin concesiones. Tony Bennett, también grabó en los años noventa un disco en homenaje a su querido amigo y maestro, Frank Sinatra titulado: "Perfectly Frank" que consiguió un "Grammy" y que es un modelo de equilibrio del canto jazzistico. Bennett, fue un cantante chapado a la antigua, un conformista conservador y que sin embargo fue capaz de grabar un disco en directo para la MTV titulado: "Unplugged" y que encima le salga bueno.

 

 

 

 

En los últimos años ha publicado tres álbumes de duetos que siguen la línea de los grabados a mediados de los 90 por su admirado amigo Frank Sinatra (Duets y Duets II). El primero vio la luz en 2006, coincidiendo con su 80º cumpleaños, y tuvo una buena acogida. En 2011 Tony Bennett lanzó la segunda entrega de colaboraciones (Duets II) Ante el éxito de ambos discos, en octubre de 2012 Bennett publicó un tercer álbum de duetos, este cantado en español: Viva Duets.

 

Gracias a su buena sintonía con Lady Gaga, en 2014 el veterano artista ha publicado un álbum de clásicos del jazz enteramente grabado a dúo con ella: Cheek to Cheek.

 

¡Genio y figura!

 

 

 

 

 

 

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© Juan Antonio Arrivi Castillo